摄影
斯科特·凯尔比的自然光人像摄影手册
斯科特·凯尔比
《斯科特·凯尔比的自然光人像摄影手册》由美国著名摄影师、教育家斯科特·凯尔比（Scott Kelby）撰写，于2016年由人民邮电出版社引进出版。本书系统性地阐述了如何利用自然光进行人像摄影的创作，内容涵盖前期拍摄策划、现场用光技巧到后期数字润饰的全流程，旨在为摄影爱好者与专业人像摄影师提供一套清晰、实用的技术指导框架。 在内容架构上，本书首先探讨了摄影器材的选择，特别是针对自然光拍摄的镜头推荐与相机基础设置。作者深入分析了不同时间、天气条件下的自然光特性，例如清晨的柔和光线、正午的顶光以及阴天的散射光，并详细讲解了如何根据光线条件调整曝光参数与拍摄角度。此外，凯尔比借鉴了古典绘画大师的用光理念，将其转化为现代摄影中可操作的布光思路，例如如何利用窗户光、反光板或简易遮挡物来控制光线的质感与方向，从而使人像作品的影调更具艺术感染力。 除了技术参数，本书也涉及人像摄影的视觉设计。书中提供了关于人物姿态引导、画面构图以及环境融合的实用建议，帮助摄影师在自然光场景中更有效地组织视觉元素，突出人物主体与情绪表达。凯尔比强调“观察与分析”的重要性，鼓励摄影师在拍摄前预判光线效果，并主动设计用光方案，而非完全依赖后期处理。 在后期处理部分，本书以Adobe Photoshop和Lightroom为主要工具，逐步演示了自然光人像的典型修饰技法。内容包括肤色校正、局部调光、背景处理以及整体色调的优化，这些操作旨在强化自然光线的原有特质，而非过度改变画面本质。凯尔比的教学风格注重步骤化与可重复性，使读者能够系统掌握从RAW文件调整到成品输出的完整工作流程。 斯科特·凯尔比作为摄影教育领域的权威人物，拥有丰富的创作与教学经验。他曾获得美国摄影师学会（ASP）颁发的国际大奖，以及哈姆丹国际摄影奖（HIPA）对摄影教育的表彰。其撰写的多部摄影教材已被译为数十种语言，在全球范围内广泛使用。此外，凯尔比长期担任Adobe Photoshop巡回讲座的培训总监，并通过KelbyOne在线教育平台持续开展摄影课程，自1990年代起即致力于摄影师与数字影像用户的技能培训。 总体而言，本书以自然光人像摄影为核心，融合了技术讲解、美学分析与实战案例，内容结构清晰、语言平实，适合希望深化自然光运用能力、提升人像摄影创作水平的读者参考。书中提供的方法兼顾了理论性与操作性，有助于摄影从业者在不同光线环境中实现可控且富有表现力的拍摄成果。
局部（套装全3册）
陈丹青
《局部》系列丛书（全三册）由当代画家、作家陈丹青撰写，其内容源自其主持的同名艺术视频节目《局部》。该系列节目自播出以来，因其独特的艺术视角与叙述方式，获得了广泛的关注与讨论。本套图书由北京日报出版社于2021年出版，系统性地整理并扩充了视频内容，旨在以图文并茂的形式，为读者提供一种深入而个人化的艺术观看体验。 陈丹青，1953年生于上海，是中国当代具有重要影响力的艺术家与写作者。他于1978年考入中央美术学院油画系，1980年毕业留校任教。1982年至2000年，他旅居纽约，从事自由绘画创作。2000年回国后，他持续进行艺术创作与写作。其早年代表作《西藏组画》在中国美术史上具有标志性意义。除绘画外，他出版了多部文集，如《纽约琐记》《退步集》《荒废集》等，展现出其跨领域的思考与深厚的文化积淀。 《局部》系列的核心，在于打破常规艺术史叙事的框架与教条。陈丹青并非以系统性的艺术史学者身份进行讲述，而是凭借其作为艺术家的直觉、经验与个人趣味，引导观众与读者的目光。他聚焦于艺术史中那些常被主流叙述忽略或置于次要地位的“局部”——可能是一位不那么著名的画家、一幅杰作中未被留意的细节、一种被规范所偏离的风格，或是一座美术馆中某个触动心灵的瞬间。这种观看方式强调“眼见”与“直觉”的重要性，主张面对艺术时，“惊喜”比“懂得”更为首要。 本套书的第一册《局部：陌生的经验》，着重于挖掘中外艺术史中那些被遗忘或未被充分认知的画家与作品，带领读者发现主流视野之外的精彩。第二册《局部：我的大学》，则紧密围绕陈丹青在纽约大都会艺术博物馆等世界级美术馆中的长期“浸泡”式体验展开。他将美术馆比作自己的“大学”，书中内容如同一次深度而私人的导览，在馆藏的层叠时空中截取片段，串联起个人的境遇、经历与对艺术经典的感悟。第三册《局部：伟大的工匠》，将视角转向文艺复兴时期的湿壁画等古代艺术，探讨在“艺术家”概念尚未明晰的时代，那些无名的“工匠”所创造的伟大成就。 作为纸质出版物，本套丛书对原始视频节目的讲稿进行了精心的修订与扩充，补充文字近万字。书中甄选了艺术史上百余幅经典作品的“局部”高清图片，这些图片经过专业调色，并采用超感艺术纸进行印刷，力求在视觉与触感上贴近原作质感，使读者能够细致品味画面的肌理与细节。因此，这套书兼具深度艺术随笔与高质量艺术画册的双重属性。 《局部》系列所倡导的观看之道，在某种程度上回应了公众对于非功利性、个性化艺术教育的潜在需求。它不提供标准答案或知识体系，而是邀请读者放下 preconception（先入之见），开启属于自己的眼睛，在艺术的“局部”中寻找直接的感动与认知的突破。对于艺术爱好者、创作者以及任何对视觉文化抱有好奇心的读者而言，这套书提供了一个独特而富有启发性的入口，通往更为广阔和深邃的审美世界。
寻美：摄影中的东方美学
青简
# 寻美：摄影中的东方美学 《寻美：摄影中的东方美学》一书由摄影师青简创作，于2021年由人民邮电出版社出版。本书旨在通过摄影这一艺术形式，系统性地探讨与呈现东方美学的视觉表达与核心理念。 全书结构清晰，主要分为三个部分：**图册欣赏**、**东方摄影美学讲解**与**摄影技巧讲解**。在版面设计上，精选摄影作品约占60%至70%的篇幅，配合占比30%至40%的解析文字，力求达到视觉审美与知识传递的平衡。书中收录了数十个不同主题的摄影专题，涵盖自然风光、人文纪实、静物小品等多种题材。每个专题均通过具体的摄影作品，结合对画面构图、光影运用、色彩情绪及意境营造的分析，深入阐述如何将中国传统美学思想——如“留白”、“气韵”、“虚实相生”等——转化为现代摄影的创作语言与实践技巧。 作者青简，本职为一名医生，同时也是拥有广泛影响力的摄影师。其摄影作品《二十四节气》系列曾因深厚的文化内涵与独特的视觉呈现，被相关机构选用为世界文化遗产宣传片的素材。她已出版多部个人摄影散文集，在视觉艺术与文学表达的结合方面积累了丰富经验。本书是其首次集中探讨摄影技术与美学理念的专著。 在内容层面，本书不仅展示了具有高度观赏性的摄影作品，更侧重于解析作品背后的创作思路与具体拍摄方法。例如，在探讨如何表现“诗意”时，书中会具体分析镜头的选择、拍摄时机的把握、后期调色的思路等实操环节，将抽象的美学概念转化为可学习、可操作的步骤。这种“理念引领技术，技术实现理念”的编写方式，旨在帮助摄影爱好者理解东方美学的精神内核，并掌握将其融入个人创作的路径。 从更广阔的文化视角看，将东方美学体系应用于摄影艺术，是对传统文化进行当代转化的一种尝试。本书的出版，也为摄影理论领域提供了专注于东方审美范式的研究文本。它触及了如何在全球化视觉语境中，保持并彰显本土文化身份这一重要议题。 总体而言，《寻美：摄影中的东方美学》是一本兼具艺术鉴赏价值与实践指导意义的摄影书籍。它通过丰富的视觉案例与层次分明的解说，为读者理解东方美学在摄影中的呈现方式、提升个人摄影创作的文化深度与艺术表现力，提供了一个系统的参考框架。
极简之道：日本平面设计美学
SendPoints 善本
**《极简之道：日本平面设计美学》** 由 SendPoints 善本编著，于 2019 年出版。本书系统梳理了自 20 世纪中叶以来日本平面设计的发展脉络与美学核心，旨在呈现其如何将本土文化传统与现代设计语言相融合，并最终形成具有世界影响力的独特风格。 ### 发展脉络与历史分期 本书以时间轴为线索，将日本现代平面设计的发展划分为两个关键阶段： - **战后四十年（1950–1989）**：这一时期，在日本现代平面设计奠基人龟仓雄策的引领下，设计逐渐摆脱战后阴影，开始探索民族身份与现代性的结合。第一、二、三代设计师相继涌现，致力于将浮世绘、书法、茶道、侘寂等传统美学元素，融入海报、商标、包装等视觉传达领域，奠定了日本设计的国际辨识度。 - **鼎盛十年（1990–2000）**：随着经济腾飞和文化自信的增强，日本平面设计进入一个创作活跃、风格多元的黄金时期。以原研哉、浅叶克己、佐藤可士和等为代表的“鼎盛期五大家”及众多设计师，不仅在商业品牌、书籍装帧、企业形象等领域成就卓著，更通过“无印良品”等品牌哲学，将“极简”、“空”、“白”等理念提升为全球瞩目的设计话语。 …
爱上莫奈：光与生命的信仰
郑治桂
# 爱上莫奈：光与生命的信仰 **作者：** 郑治桂 **出版社：** 未在原始信息中提供 **出版年份：** 未在原始信息中提供 克劳德·莫奈（Claude Monet，1840-1926）作为印象主义运动的奠基人与核心代表，被后世尊称为“光影的诗人”与“色彩的炼金术士”。他的一生，是对自然光线进行不懈探索与虔诚礼赞的旅程。莫奈的艺术超越了传统绘画对形体与轮廓的执着，转而捕捉瞬息万变的光影与空气氛围，将“印象”升华为永恒的艺术形式。本书旨在系统性地解读莫奈的艺术生涯、创作理念及其对现代绘画的深远影响。 莫奈的艺术实践紧密围绕着他生命中的几个核心主题。在时间维度上，他开创了“系列绘画”的创作方法，对同一景物（如干草堆、鲁昂大教堂、睡莲池）在不同季节、不同时辰下的光影变化进行连续描绘，从清晨薄雾到黄昏暮霭，从盛夏炽光到冬日柔晕，完整记录了大自然中流转不息的光色交响。在情感维度上，他的画笔深情地追随了第一任妻子卡米尔的身影，从少女时代的明媚到病榻前的哀婉，这些肖像不仅是私人情感的寄托，也是其光影实验的重要载体。在空间维度上，位于吉维尼的花园是他晚年艺术创作的宇宙中心。他亲自设计、改造并倾注毕生心血打造这座水上花园，尤其那方著名的睡莲池，成为他最后三十年创作的核心母题。莫奈曾坦言，这座花园本身即是他“最伟大的杰作”。 为深入剖析莫奈的艺术世界，本书采用了多维度的解读框架。首先，通过画家传记与十个关键概念解读，清晰勾勒莫奈从早期讽刺漫画创作，到参与创立印象派，再到晚年沉浸于吉维尼花园的完整人生轨迹与艺术思想演进。其次，书中附有详尽的年表，将画家的个人经历置于19世纪末至20世纪初法国社会文化与艺术运动的宏大背景中，使其艺术抉择与风格转变更具历史纵深感。在内容呈现上，本书舍弃了传统的边注形式，采用独立的Box式注释框，对正文涉及的特定技法、历史事件、艺术关联等进行补充说明，使阅读体验更具层次与弹性。 本书由画家、艺术评论家、台湾艺术大学美术系教授郑治桂主笔。郑治桂教授毕业于法国巴黎第八大学，专研19世纪法国风景绘画史，对印象派有着深厚的学术积淀。其文字兼具学术严谨性与叙述感染力，旨在引导读者深入画作的内在世界。全书共收录182幅高质量配图，涵盖莫奈各个时期的代表作、习作及相关历史照片，结合导览式的解读，为读者营造一种沉浸式的艺术鉴赏体验，仿佛亲临一场精心策划的莫奈专题展览。 莫奈的艺术成就得到了同时代及后世众多文学家、评论家的深刻洞察与高度评价。法国文学巨匠埃米尔·左拉曾指出莫奈风景画中的人文气息：“他乐于在各处看到人类的踪迹……他的风景画里不能缺少绅士淑女。”作家居伊·德·莫泊桑则生动描绘了莫奈在自然中追逐光影的创作状态：“他已不再是画家，而是猎人……他几笔就把洒落的光线和飘过的云朵采集下来。”艺术家安德烈·马松则赋予其作品以哲学深度，认为“他画中水面的倒影即足以同化于宇宙”。这些评论从不同侧面印证了莫奈艺术超越视觉表象的丰富内涵。 印象派作为西方艺术史从古典走向现代的关键转折点，莫奈在其中扮演了至关重要的角色。他的实践彻底解放了色彩，使绘画的焦点从“画什么”转向“怎么画”，直接影响了后续诸如抽象表现主义等艺术流派的发展。他对光与色的科学研究态度，以及系列创作的观念，亦对20世纪的艺术与摄影产生了不可磨灭的影响。本书通过梳理这些艺术脉络，帮助读者理解莫奈何以成为连接传统与现代的一座不朽桥梁。 …
爸爸妈妈，请做我的摄影师
佚名
《爸爸妈妈，请做我的摄影师》一书，旨在探讨家庭摄影的核心价值与实践方法。其核心理念在于鼓励父母通过摄影这一媒介，将家庭生活中经历的酸甜苦辣——这些珍贵的生活切片——系统性地记录下来，为个人、家庭乃至后代留存一份可视化的记忆档案。这一理念不仅呼应了许多摄影爱好者的创作初衷，也精准契合了广大家长希望记录孩子成长历程的普遍需求。 对于具备一定摄影经验的父母而言，为孩子拍照如同书写视觉日记，能够自然而然地捕捉孩子与家人、朋友互动的生动瞬间，以及那些看似琐碎却充满温情的日常生活片段。然而，对于刚刚起步的摄影新手，家庭摄影常常伴随着诸多实际挑战：如何在看似杂乱的家庭环境中选取合适的背景与构图？如何策划并执行富有故事感的场景主题拍摄？如何利用普及率极高的智能手机，拍出画质与情感表达俱佳、媲美专业设备的照片？ 本书针对这些常见困惑，系统性地汇集了来自众多资深“拍娃党”的实践经验与智慧分享。书中内容表明，出色的家庭摄影并非依赖于昂贵的器材或完美的拍摄条件，而在于掌握一系列融入日常的实用拍摄技巧与观察方法。通过理解光线运用、构图原则、瞬间抓取以及情感引导等关键要素，父母可以逐步将摄影转化为一种记录家庭叙事、表达亲子情感的自然习惯。 从技术层面看，本书内容覆盖了从设备选择（包括手机与相机）、室内外环境利用、不同年龄段儿童拍摄特点，到后期处理基础等全流程知识。从美学与叙事角度，则引导读者关注生活的真实质感，鼓励拍摄那些不完美却动人的瞬间，从而构建起独特、真诚且连续的家庭影像史。 家庭摄影作为纪实摄影的一个重要分支，其意义早已超越单纯的影像记录。相关研究与心理学观察指出，系统性的家庭影像能够强化家庭成员的情感联结，帮助儿童构建自我认知与家族归属感，并成为传承家庭故事与文化的重要载体。在数字影像技术高度普及的当下，如何有意识、有方法地创造与管理这些视觉记忆，显得尤为重要。 《爸爸妈妈，请做我的摄影师》为此提供了一套兼具理念启发与操作指导的参考框架。它不追求营造遥不可及的摄影技法，而是致力于将摄影融入日常，使每一位父母都能成为自己家庭故事最忠实的记录者与讲述者。